Tesis Docencia Docencia Caverna del Trol

Caverna

2003

Comencé la reseña de 1983 comentando que ese año la industria probablemente produjo más de 400 álbumes, bueno para el 2003 esa cifra se habría triplicado.  Además la industria había cambiado mucho por la masificación de uso del internet. Dos ejemplos de esto que durante los dos miles se extendieron fueron el lanzamiento en la red de las canciones y álbumes y las redes “de igual a igual” (Peer to peer) con los que se compartía música internacionalmente y de manera masiva y gratis! Yo usaba Napster a principios de la década, pero después de la demanda de los pendejos de Metallica y que un senillo de Madonna se colocó en Napster antes incluso de que se mandara a manufacturar el sencillo provocó que para 2003 el sitio en la red prácticamente ya no se pudiese usar. Pero encontré otros sitios. Para ese año yo me encontraba en Madrid y con presupuesto reducido así que bajaba mucha música del internet, pero también significó para mi una época de disfrutar y analizar la música del pasado con mucha más calma y detenimiento, así que muchos de esos mil álbumes que fueron lanzados al mercado ese año, no los registré y digamos que me atrase en términos de música “del momento” (después me he puesto al corriente).

Los dos miles fue una década en la que se continuó con el predominio del Rock Alternativo, aunque también resultó en una refundación del Metal muy importante. Por otra parte y como ya había pasado en los setenta con el Punk, muchos músicos se sentían inconformes con los formatos típicos del rock, incluso los del rock alternativo, que ya para esa época se estaban “institucionalizando” y eso provocó que muchos músicos buscaran nuevas influencias, que exploraran más, así que, aunque no comercialmente, hubo un auge en el rock experimental y eso a su vez se trasminó principalmente al rock alternativo (desgraciadamente esto último no se ve en los discos de este año). Pero claro, tanto el Rock como el Rock Progresivo dieron algunas joyas este año también. Pero empecemos este año por lo clásico: 

 

Rock

 

Sting es un viejo conocido y como otros de los que he escrito es un tipo que realmente disfruta el oficio de crear música y explora constantemente, lo cuál lo ha hecho adentrarse en otros géneros, como el Jazz en el que ya se ha destacado también, y lleva varios álbumes con canciones con influencia de la música oriental. Para mí es difícil mantenerlo en el género Rock, pero creo que haciendo un balance de todos sus álbumes el rock si predomina, pero ... no por mucho. En el 2003 Sting lanza “Sacred Love” su séptimo álbum como solista y la verdad los senillos del álbum no muy me convencen (me gusta “Send your love” pero...no me convence como recomendación), así que como recomendación rockera de este álbum les dejo “This War” que me gustó porque pese a ser una canción antibélica no es directa y al final entre el sarcasmo y el desafío recomienda “háztelo más fácil y no hagas nada”. Y también para mostrar la diversidad de influencias que incorpora Sting en su música, quizás la canción que más me gusta de éste álbum “The Book of my Life” recomiendo un ‘video’ en Youtube plano y sin imágenes porque tiene la versión original del disco porque pese a que encontré un video en vivo, pero no tiene el semi-sólo de sitar al final que la verdad creo que levanta mucho la canción (lo intentan sustituir en vivo con guitarra....mal!, hasta me extraña, pero si quieren comparar las versiones acá esta en vivo). Por último, y ya que estoy comentando el año 2003 y a Sting, quiero compartir una coincidencia no relacionada con éste álbum sino con el anterior, el de 1999. En el 2003 viajé a Egipto y como parte del soundtrack que me acompañó no resistí la tentación de incluir “Desert Rose” el muy exitoso sencillo del álbum “Brand new day”. La canción pese a tener fuertes influencias House, tiene influencias predominantes árabes y creo que se logró muy bien. Me gustó desde que salió y además creo que es una gran canción de ´viaje´ así que cada vez que hago un viaje manejando agrego esta canción al playlist, pero la primera vez fue para Egipto (aunque ahí no manejé nada). Me parece una gran canción para cantar también y para oír con calma frases como “I wake in vain,... I dream of love as time runs through my hand” […] “This desert flower,… No sweet perfume ever tortured me more than this, … This desert flower,… This rare perfume, is the sweet intoxication of the fall…” me parecen simplemente maravillosas y me atraparon desde el primer momento que las oí. Esta canción salió antes del 9/11 y marcaba la entrada a los círculos comerciales internacionales del coqueteo de occidente con el mundo árabe, pero después del 9/11 eso se cortó drásticamente y bueno, hasta Sting cambió a influencias orientales de persas a Indias.

 

El rock en términos clásicos sufrió en los dosmiles una disminución de sus filas por el apogeo del Alternativo sin duda, sin embargo para 2003 un pequeño dúo de Michigan sacó su cuarto álbum y dio nuevo impulso al Rock, rock. Considerado también un grupo de Rock Alternativo con influencias Bluseras y del Punk, pero para mi influencia del Blues es demasiado grande y la verdad antes del punk, al oirlos es claro que su siguiente influencia esta en el proto rock pesado de finales de la década de los sesenta, por lo cuál yo los catalogo como Rock. Me refiero por supuesto a The White Stripes y al álbum “Elephant”. Recuerdo estar en Madrid y oír la multigalardonada canción “Seven Nation Army” y me encantó, me atrapó y rápidamente la bajé de internet y la oía repetidamente durante el día, sin embargo, un par de años después cuando se volvió un himno europeo del futbol, la odié, la verdad, y hasta del grupo me estaba olvidando. Me costó algunos años de no oírla para reconciliarme con ella y revalorarla. La primera vez que oí la canción me pareció que se trataba de un pequeño grupo de 3 personas, guitarra, bajo y batería, lo básico. (Y va a parecer muy mamon éste comentario en unos segundos, pero de verdad que eso pensé en aquella época) Sin embargo cuando vi el video (muy muy buen video por cierto) me di cuenta que sólo eran dos y hasta me enojé porque pensé que no habían querido incluir al bajista en el video y el guitarrista hacia “la piña” de que él tocaba la parte del bajo, en definitiva pensé que el video nos engañaban, porque estaba yo seguro el riff del inicio suena inconfundiblemente a un bajo, pero no, resulta que Jack White, con el uso de un pedal logra el mismo efecto, pero eso no lo supe hasta años después y estoy hablando de casi 8 años después y en México cuando descubrí mi error, al ver el extraordinario ¿documental? “It might get Loud” de David Guggenheim, en el que coloca en una bodega con 3 sillones a “hablar sobre la guitarra eléctrica” a tres grandes guitarristas, ni más ni menos que a Jimmy Page (Led Zeppelín), The Edge (U2) y a Jack White. El documental realmente ‘no tiene desperdicio’ es una joya, acá les pongo un enlace para que lo vean completo y si no con gusto organizo un pase especial en mi casa o en la suya, porque me encanta. Acá les pongo el fragmento del documental (que de hecho es material extra del DVD ) en el que White les explica a los otros dos maestros de dónde salió el riff de Seven Nation Army y como podrán ver, The Edge tenía la misma duda que yo!!! Bueno y que media humanidad me imagino, pensábamos que se trataba de un bajo. No se dejen engañar por este fragmento, para mí es obvio que Jack White es el aprendiz del trío y el más engreído (eso si queda claro), pero pese a eso creo que si hay que darle crédito por ser uno de los mejores rockeros de ésta generación, algo que demostró con los White Stripes y sus dos grupos con los que ha seguido: The Raconteurs, The Dead Weather y en el 2012 sacó un álbum solista que no esta nada, nada mal. Una vez más debo confesar que poco antes de ver éste documental le retomé la pista de los White Stripes por otra ex que era mega fan del muchacho inadaptado de michigan y entonces me di a la tarea de escuchar con clama su discografía y como en otros casos en mi vida, si nada más queda...siempre puedo agradecerles que me dejan buena música. Sea como fuere, para cuando yo tenía 30 años el álbum Elephant vio la luz comercial y no sólo la canción Seven Nation Army, todas las canciones son buenas, al punto de que si es considerado un álbum esencial en el Rock, así no más.

(De verdad hay que ver el documental que tiene grandes momentos, varios, pero hay uno, hacia el final, cuando se habla sobre la creatividad de los músicos que los tres tocan un fragmento, de una de las mejores canciones de Led Zeppelin: “In my time of dying” es, para mí un momento...mágico).

 

Art/Glam rock

 

El 2003 me da oportunidad de hablar de un viejo conocido en el Art Rock que admiro mucho, pero que no había coincidido un lanzamiento de disco con una de las fechas que elegí para este texto. Prince es otro que considero un verdadero genio musical, un visionario y un tipo muy atrevido, que en 2001 decidió crear un sitio en internet para enviar a sus fans (previa suscripción al sitio, claro) su música, el “NPG Music Club” y al año siguiente lanzó el primer álbum por esta vía el  “One Nite alone” (aunque después se editaron algunos CD’s), pero en el 2003 lanzó dos álbumes sólo por este sitio:  “Xpectation” y “N.E.W.S.” (también del segundo se lanzaron alunas copias físicas años después). El primero tiene 9 canciones instrumentales (todas empiezan su nombre con una X) y el segundo 4 canciones de 14 min cada una exactamente llamadas: Norte, este, oeste y sur. El sitio cerró en el 2006 y como del Xpectation nunca se crearon copias físicas,  la única manera hoy por hoy de conseguirlo es por los sitios Peer to Peer a los que Prince detesta (JA!). El que quiera el álbum que me diga y se lo mando por supuesto; si lo tengo y es tan bueno que sería mi recomendación para este año, aunque en realidad es un disco de Jazz, no es tanto de Art rock y es un álbum en el que Prince toca los teclados principalmente y no la guitarra (escrito sea de paso es un gran gran guitarrista también) Quise al menos poner el video de la canción homónima del disco “Xpectation” y de “Xogenous” que además de teclados, violines y percusiones tiene un solo de guitarra de Prince que es xselso!, pero...el cabrón de Prince persigue a quienes ponen su música en Youtube incluso aquellos que tocan un cover son perseguidos... muy mal desde mi punto de vista y pues lo que ha provocado es que NO es fácil encuentra canciones de él en Youtube y después de un rato youtube no las quita, pero las “silencia”. Con lo mucho que admiro a Prince desde el álbum “Purple rain” y lo mucho que me gusta escucharlo en todas sus facetas (bueno, hay algunas de los noventa que si....me cuestan....pero ese es otro texto) su accionar contra quienes en definitiva lo admiran me parece terrible. Cerrando, Prince entendía que después de más de 25 años de carrera musical había que expandir los horizontes, no sólo musicalmente hablando sino también en términos de entender la industria, ahora no precisamente comparto esa visión pero definitivamente marca uno de los primeros cambios en una industria que a la fecha no sabe bien bien qué hacer con el internet.

 

 

Alternativo

 

Este año en el Rock Alternativo (y su subgéneros Grunge, Garage, Indi o britpop) hubo mucho de lo que se podría hablar; yo tengo en el radar los siguientes grupos que sacaron álbumes ese año y de los que convendría escribir: Yo la Tengo, Jane's Addiction, The Strokes, Live, Radiohead, Holly Golightly, Nickelback, A Perfect Circle y The Strokes. Además de Placebo, Blur, los Yeah Yeah Yeahs y los Kings of Leon, de los que si escribiré un poco.

 

Platicaba a finales del 2013 con una amiga, nueva hermana, confidente y cómplice de conciertos: Coral, ¿qué grupos podrían venir en el 2014 para un concierto? Y salió a cuento un grupo de curiosa, pero ya larga trayectoria, Placebo y en concreto que les dio una época de venir a México con relativa frecuencia, pero a mí sólo me tocó el último, así que yo si quería verlos otravez en el 2014 (afortunadamente ya están programados para el Vive Latino). Debo confesar que el primer disco de ellos en el 96 me pasó completamente de noche no fue sino hasta 3 años después que recuerdo “saber” de ellos por el lanzamiento de un gran sencillo y su uso en una no muy buena película. Pero para cuando en el 2003 lanzan “Sleeping with Ghosts”, su cuarto disco ya los tenía en el radar y con el sencillo “The Bitter End” me terminó de atrapar, porque es una canción y en general todas sus canciones, son bastante elaboradas y de primera impresión me parecía que giraba alrededor del final de una relación amorosa, el amargo final de la relación, ahora bien puede que sea tan enferma, que involucra acoso u obsesión por ejemplo, en la cuál uno deja al otro y el posible amargo final era el suicido del dejado o el asesinato del que deja. Investigando un poco más hay una interpretación muy común sobre que la canción se basa en la novela 1984 de George Orwell, pero sólo porque habla de una fecha, el 2 de mayo que se menciona también en la novela. Y bueno, es posible, pero no hace ninguna otra alusión a la novela y no he leído que los miembros de la banda confirmen esa teoría. Todo el álbum (y esto es algo que si esta reconocido por Molko) es sobre el final de las relaciones amorosas y los fantasmas que quedan. La banda en general es muy azotada, quizás por eso también juega un papel importante en mi lista del azote. Otra canción del álbum que no fue un sencillo pero que es una gran canción que gira paralelamente en torno al azote es “Protect me from what I want”. Para mi esta canción es una clara crítica al modo moderno de vida, que provoca alineación y al final relaciones interpersonales disfuncionales. Protégeme de lo que quiero, porque quizás eso que creo que quiero según lo que la sociedad te impone no acabará por hacerte feliz, esa es la enfermedad de ésta era. (como no hay video oficial encontré este con imágenes de la película “black Swan” y creo que le van muy muy bien, porque en parte esa película es eso, la destrucción de la mente de una chica por un deseo impuesto desde el exterior)

 

Un grupo icono del Britpop, Blur para el 2003 había gozado ya de una trepidante y muy prolífica, aunque no muy prolongada carrera y justo ese año lanza su séptimo y último álbum, el  “Think tank”. Pese al éxito anterior y que me parece que los miembros de la banda se llevaban bien (no pasa así siempre) cada uno exploraba para el 2003 con otros proyectos musicales y eso provocó perder interés en el concepto de Blur, así que Think Tank fue su último álbum de una primera era, hasta que se reunieron nuevamente en el 2008 para sacar un álbum en el 2011. el álbum de 2003 creo que vuelve básicamente a las baladas y continua una fuerte experimentación con el rock electrónico, pero creo que sin perder un poco del rock indi que me hace clasificarlos acá y una canción que lo muestra muy bien es “Crazy beat” que debo confesar al principio no me gustaba nada por el sampleo de la frase ‘crazy beat’ muy electrónico, muy artificial, pero inicia y mantiene un buen ritmo de batería, que acompañado del riff y el semi solo guitarra que metieron para darle fuerza a la canción la verdad creo que la salva (de hecho creo que es la canción más rockera del álbum) y la aleja del electrónico, así que es una buena mezcla de influencias y un buen ejemplo. Debo confesar que del britpop este grupo me gustaban más que otros y el año pasado les tomé más cariño ya que indirectamente les debo una gran experiencia, haber ligado en un concierto masivo...buena relación que no pudo concretarse como yo me imaginé al principio, pero que sigo valorando mucho.

 

El 2003 marca el lanzamiento de dos grandes grupos del rock alternativo del lado americano que a la fecha siguen dando mucho de qué hablar, los Yeah Yeah Yeahs y los Kings of Leon. Los primeros se formaron en Nueva York aunque sus miembros fundadores venían de otras partes de EE.UU.A. y ese año sacaron su primer álbum de estudio “Fever to Tell”. Un grupo tremendamente energético y una gran gran lideresa, Karen O, que desde la primera vez que la vi me pareció como un a digna heredera de Patti Smith o Nina Hagen. Su álbum debut fue un muy buen primer álbum, uno de esos que luego es difícil superar, recomiendo todo el álbum, pero habría que varias recomendaciones: “No no  no, Pin, Cold Light, Y Control, Date with the night” y “Maps, la balada del álbum y canción que no metí en la disertación rockera del azote porque hace unos años escribir sobre ésta canción era un poco duro para mí; ahora se las puedo recomendar ampliamente, pese a que, al ver las lagrimas de Karen en el video, se evoquen algunas propias inevitablemente. Cuando la oí Maps en el 2003 me dio una impresión errónea de la banda por ser la balada, tranquila y emocional, pero que no deja ver la fuerza que tiene Karen, pero eso es algo que se ve sobre todo en vivo, cosa que he tenido la oportunidad de ver ya en dos ocasiones, muy recomendable (lo malo es que las dos veces con un pésimo sonido) Pero para que se den una idea de lo último que vi de ellos aquí están los Yheas en el Vive latino del 2013, con Maps y Date with the night (me divertí mucho mucho).

 

Ahora cambiemos de subgénero del rock alternativo de aquel proveniente del punk como el de los Yheas a otro con orígenes en el blues sureño norteamericano y quizás no tan en el fondo el country, los jóvenes hermanos y primos de Tennessee de Kings of Leon. Cuando digo jóvenes no es broma, sin instrucción musical, el más chico tenía 16 años y el mayor 21 cuando sacan su primer álbum que fue un gran éxito ”Youth & Young Manhood”. Creo que yo no los recuerdo sino hasta entrado el 2005, ya con el último sencillo del segundo álbum, pero rápidamente me descargué de la red el primer álbum también y he sido su fan desde entonces. El estilo de guitarras de estos muchachos recuerda mucho a los grandes rockeros norteamericanos de los setenta pero claramente revitalizado en un acompañamiento muy alternativo y que creo marcaría no sólo su estilo, sino los dos miles en la escena alternativa. Un estilo de guitarra que me recuerda a un riff rock-country que emula un tren, pero ahora es, o un tren bala o un avión a reacción. Encima de eso el estilo vocal sureño reloaded de Caleb Followill que rompe a gritar en más de la mitad de las canciones les da un sello especial (además de que uno no sabe lo que canta la mitad del tiempo!)  y por último, sus letras que si bien muchas veces siguen el patrón verso, coro, puente, verso, coro... no son... tradicionales, largos y difíciles versos y coros con poco ortodoxas y complejas composiciones, como el fondo del tema de sus canciones que si bien si creo que siguen lo esencial en la vida de los jóvenes: sexo, droga, rock n’roll y mucha diversión, las abordan de una manera nada convencional y aquí y allá meten otros temas que no necesariamente serían tema de canción en un grupo fuera del sur de EE.UU.A.. Nuevamente, de las 13 canciones en el disco les recomendaría las 13. Platicaba con mi sobrina Luciana, hace no mucho y me dijo “Kings of Leon,... no tienen una canción mala” comentario que me hizo ver cuanta sabiduría (y buen gusto) tiene ya mi sobrina a tan corta edad (tiene un programa de radio por la red, escúchela lunes y miércoles de 17:00 a 18:00 hrs en  www.nofm-radio.com programa “WarapBitch”) Pero como hay que recomendar una, no les doy los sencillos del álbum, sino la canción que más me gusta de este álbum en estos momentos...no se bien porque, pero “Happy alone” me encanta y literalmente he puesto esta canción unas cinco veces seguidas tratando de cantar a la par de Caleb, muy divertido. La Letra creo que es un tipo raro de canción de ¿amor? pero a 5ª velocidad y en línea recta a un acantilado. Es sobre jóvenes, persiguiendo chicas jóvenes alrededor de los 19 años ‘Blooming Flowers’ les llama y el narrador adora verlas caminar, bailar y ... hacerles cosquillas, pero al día siguiente...es muy probable que no las vuelva a ver, pero noche con noche, alrededor de las 3 de la mañana, ahí esta recorriendo la ciudad en busca de la hija de alguien. El coro es raro porque tiene una frase “I’m gonna tangle my face hair, It’s gonna tickle your daughter, Three o’clock and the moaning, they all cry to me, I’ll be prancin’ around in my high heels, and your cherry red lipstick, look out your window, I’m on your street”. Algunos interpretan que el narrador se liga a las chichas usando tacones, para mí es más bien un acto de felicidad después de consumar el ligue, cuando aún tiene le lápiz de labios de ella en su boca... y conviene hacer unas cuantas piruetas en unos apropiados tacones, pero... la canción está abierta a sus interpretaciones. Si no conocen a este grupo, es momento de enamorarse de ellos y preparar su siguiente concierto en México porque yo no los he visto y desde el 2009 que no vienen.

 

Progresivo

 

Comenzaré este fragmento del progresivo con una historia. Si no mal recuerdo corría el año de 1996 y en una cena de fin de año me puse a hablar con Dario y su padre, amigos de la familia de mucho tiempo, de rock progresivo y de mi persistente afición por el metal y fue inmediata la reacción de los dos “¿no has oído a Dream Theater?”, desgraciadamente no, pero sacaron el “Images and words” oímos algunos fragmentos y salí de su casa con un cassette que grabamos durante la cena (creo que sigue siendo mi álbum favorito de la Banda). Desde entonces Dream Theater es uno de mis grupos favoritos, sin duda. La mezcla de metal y progresivo me cautivo, pero en particular éste grupo que tiene creo que casi por regla, integrantes virtuosos en sus instrumentos. Otra historia ...platicaba una vez con el baterista de Radiad, Darko, sobre éste grupo y le parecía que era casi inverosímil que todos en el grupo fueran tan buenos y que todo lo que tocaban sonaba perfecto, para él, ese tipo de maestría le quitaba un poco de espíritu y vida a la música, pero no para mí. Si es muy impresionante oírlos con detenimiento. Una tercera historia, la primera vez que los “oí” en vivo fue por casualidad una tarde que turisteaba por Florencia, Italia, y justo en un parque comencé a oír la música de Dream Theater y había varios chicos sentados en un parque con camisas negras y aspecto metalero así que con un malísimo italiano, me enteré que sí, efectivamente tocaba el grupo en una especie de anfiteatro abierto (detrás de unos árboles que no me dejaban ver, claro) y que los boletos estaban agotados, además averiguamos que justo estábamos en la parte trasera del anfiteatro y por dónde los grupies pensaban que saldrían los miembros de la banda. Me senté a oír el concierto, muy bien la verdad y efectivamente salieron por un túnel muy cercano a dónde yo estaba, tanto que los vi a no más de 10 m de distancia. La segunda vez que oí y vi al grupo fue en el 2010 en su último concierto en México y fue maravilloso. Pero de vuelta al 2003, a mis 30 años, cuando ellos lanzan su séptimo álbum de estudio el “Train of thought” que es casi un álbum concepto con la intención del grupo de poder crear canciones pesadas pero largas con las que los fans se volvieran locos en vivo y creo que lo lograron. Una vez más recomiendo todas las canciones del disco, pero hay dos en particular que quiero recomendar con video, son dos canciones de más de 10 minutos cada una. La primera es una canción instrumental que funciona como la síntesis del álbum, se llama "Stream of Consciousness", es realmente maravillosa (en el video pueden ver el virtuosismo de estos increíbles músicos. Nota de video: John Myung no tiene una guitarra es un bajo de 6 cuerdas que toca ejemplarmente!) y la segunda canción que quiero recomendar la primera vez que la oí hasta me enojó, porque, la verdad, no la entendí y no fue sino hasta que leí la letra que me reconcilié con ella. La razón es que el coro de la canción repetidamente dice  “Listen, when the prophet speaks to you ....in the name of god” canción que no sorprende que se llame “In the name of God” y pues mi persistente sentimiento anti-deidad me alejó al principio de la canción, pero en realidad sabía que Dream Theater no era un grupo protocristiano o algo así, por lo que obsesivamente busque la letra y encontré, por supuesto, lo contrario a lo que me imaginé al principio, que es una canción que critica que se mienta, se tergiverse, se pervierta, se violente, y hasta se mate, en nombre de dios o de sus escrituras, y ese concepto si me atrae y ahora hasta me gusta cantar la canción; y hablando de cantar, además de ser una muy buena canción, el video me da la oportunidad de recomendar a James LaBrie como uno de los mejores cantantes de este momento (Y los solos en el centro de la canión...uuuf). De verdad, aunque lo suyo no sea el progresivo o el metal, denle una oportunidad a este extraordinario grupo, sólo para que vean la calidad de la verdadera melcocha.

Metal

 

Quiero terminar la reseña de este año con lo que para el Rock es la bestia que nunca morirá, le Metal, no importa cuantas veces se le ataque, se le apuñale, se le declare muerta, revive y rompe la tumba para atacar con mayor fuerza y eso fue la década de los dos miles para el Metal, el renacimiento tras una aparente calma durante los noventa y más que calma era un encubrimiento por la sobreexposición del Rock Alternativo, pero en los dos miles sin duda se refundo mucho del Metal adquiriendo formas insospechadas. Primero quiero recomendar álbumes de 3 ya para este momento establecidos artistas y 3 álbumes que marcaron el debut en este año para 3 bandas que marcan las tendencias del renacimiento del metal.

 

Con más de nueve años de experiencia y su quinto álbum de estudio comercial Marilyn Manson me llamó la atención desde el 1996 así que para el 2003 cuando se lanza “The Golden Age of Grotesque” él ya era un viejo conocido para mí (debería decir conocidos porque siempre se presentaron como grupo, no sólo como un solista aunque para éste álbum recibe crédito por la música y letras en casi todo).  Es difícil clasificar a Manson, es mucho más duro y pesado que el alternativo, tiene coqueteos fuertes con el Rock Industrial pero creo que se aleja un poco de la escena electrónica lo suficiente como para no ser realmente industrial (lo que me pasa con Ministry también) así que por el momento yo lo clasifico como un subgénero del Metal, casi subgénero en si mismo. Ciertamente Marilyn no era un concepto completamente nuevo, es heredero de la idea de aturdir a la generalidad de la sociedad americana de Alice Cooper, del la idea que si a la gente le gustan las películas de terror también hay un público para una música que asuste, que los de Black Sabath ya habían conquistado, sin embargo su estilo musical, pesado pero Industrialosos y su estética mucho más elaborada y cuidada, diría que si eran novedades sobre los anteriores. Pero la más importante novedad en este subgénero extravagante del metal son las letras. La estética y la fuerza de la música de Manson repelen al oyente estándar y no le dan oportunidad a saber qué es lo que dicen sus letras (en eso también se parece al Industrial), pero desde el primer álbum Marilyn Manson tiene un empeño claro en decir algo con su música, no sólo para dar un tratamiento de choque a la sociedad sino usar su música para exorcizar muchas cosas que la sociedad americana toma como base en su construcción de identidad y hasta se enorgullece de ellas. Manson sin tener en mente crear álbumes concepto si imprime ciertos temas similares a las canciones que compone para un álbum y “This is the new shit”, puede ser la síntesis del  “The Golden Age of Grotesque”. Para mí es una sarcástica crítica a la retórica de la mercadotecnia o al consumismo en particular. Un consumismo que se promueve con fiestas, supuestamente rebeldes, con sexo y nunca hay que olvidar la violencia, todo para venderte la idea de todo es lo mismo, que el futuro no existe, pero lo peor es que todo mucho cantara el eslogan lo entiendan o no. La estética de casi todos los videos promociónales y de la subsiguiente gira giraba alrededor de una sociedad amansada muy parecida a la Alemania Nazi, pero como verán en el video también adopta el icono americano de Micky Mouse para advertir, a quién lo entienda, cuál es el estado que Marilyn Manson realmente critica.

 

Otros viejos conocidos del metal para este año son los californianos de Korn, grupo que deambulaba entre el Metal y el Rock Alternativo, de tal forma que se redefinió una parte del  metal. El sexto álbum de estudio de la banda “Take a look in the mirror” es un álbum que marca el final de la primera etapa del grupo, me parece o bien un regreso a sus inicios, para después evolucionar. El sonido es pesado y por supuesto distorsionado, pero Korn a diferencia de las bandas de metal “clásico” o el Rock no tiene en sus canciones un momento claro de “solos” y los estilos de canto se acercan más al rap (Cosa que Rage Against the Machine ya había inventado), lo que los lleva más al rock alternativo. Una canción que me encantó desde que salió como sencillo fue “Y’all want a single” que es la respuesta del grupo a la disquera que les pedía un “sencillo más familiar” más “accesible” y entonces Korn responde con un gran gran ritmo, potencia y la letra que dice “Y’all want a single, say fuck that, fuck that, Fuck That!” y esa es toda la letra. Claro que la censura aún participa y en realidad parece que dice “suck that” pero... aún así no se convirtió en el nuevo éxito de la banda, pero si en un nuevo éxito para mí y sí recuerdo cantar esta canción ávidamente en el 2003.

El siguiente grupo, en realidad demuestra la vitalidad del Heavy Metal tradicional de la década de los dos miles, pero con apenas 3 discos y 4 años desde su primer álbum comercial, en el 2003 Black Label Society evidencia con “The Blessed Hellride” que la fórmula básica del metal, cuando nace espontáneamente, nunca muere y podrán oír en este álbum, sin tanta distorsión y florituras rítmicas, un riff contundente pero sencillo, solos que no se extienden demasiado y hacia el final de la canción, letras senillas y directas, el ‘back to the basics’ metalero. En términos de temática de las canciones típicamente metaleras también: el alcohol, la fiesta, mujeres, desamor, el pueblo perdido en ningún lado, el desempleo, el aburrimiento, la muerte, el infierno...tíiiipico. Los solos de guitarra de Zakk Wylde mantienen vivo ese sonido “clásico” del metal pero transportado a los dos miles, y sí es un buen solista eso hay que admitirlo, por eso empecé a oír al grupo, pero no exageremos tampoco, no es un nuevo Kirk Hammett (Metallica). Quizás no es el álbum que más me guste de ellos, pero si es bueno cómo ejemplo de un estilo metalero clásico y para no dejar, hasta “balada” acústica tiene, pero yo les quiero recomendar el sencillo más exitosos de la banda y una canción que si bien no fue sencillo, es de las que más me gustan del álbum y si creo que se oye todo lo que dije antes, así que primero “Stillborn (a ver si reconocen quién hace los grititos del coro y otro dato curioso es que para ésta época el bajista era Robert Trujillo el actual bajista de Metallica) y luego “Funeral Bell” (hacen un micro tributo a Sabath en este video en vivo, todas esas cosas marcan claramente influencias y estilos)

 

Es difícil recomendar el siguiente grupo en un año como el 2003, porque reconozco que, para empezar, no es un grupo fácil de escuchar en términos de que, para mí, es la muestra de lo que un grupo de trash, death metal  es en los dosmiles (y sé que los que leen no son principalmente fans del Metal), pero además éste año es el año de su álbum debut de estudio “Ember to Inferno” y fue un álbum poco o nada exitoso. Para el 2003 Trivium seguía siendo un poco la banda de garage recién salida de la prepa (en Florida!!!!) y aunque una disquera se interesó en ellos, no fue sino hasta casi cinco años después y dos álbumes más que comenzaron a tener ya éxito entre el mundo metalero, y lo mismo que con Black Label Society, a mí me llamaron la atención por la el estilo de Matt Heafy, el buen guitarrista (no solista), vocalista y líder de la banda. Este cuate me llamó la atención hace como cinco años con un sencillo cuasi subversivo pero con un lenguaje... metalero, trashero, pero, curiosamente poco agresivo. Pero claro, en el 2003 no tenía yo noticia de ellos y hasta hace muy poco que oí el primer disco, que en mi opinón es más death metal y poco a poco fueron transitando más hacia el trash, pero tienen un par de canciones instrumentales con interesante concepto y un par de buenas canciones que si muestran el potencial de la banda, que empujó el trash de la década pasada. Les recomendaré del álbum debut una canción curiosa “If I Could Collapse the Masses”, primero porque a mí me parece que no es del todo trash, pero lo intenta (coqueteos con el Death Metal también), por lo tanto es evidencia de sus orígenes y más curiosa aún porque la letra en mi opinión es...bueno mejor la explico: habla de que “cuando uno se da cuenta que la vida es un molde debes moldearla como tú creas mejor, reconociendo tu propia potencialidad” aunque desde un punto de vista político me parece que luego se pierde, porque creo que si tiene muy inculcada la idea del individuo y la superación “personal” al punto en el que establece que para “lograr la victoria, te tienes que liberar a ti” y remata la canción cuestionando que si uno es o no un “revolucionario” pero inmediatamente se pregunta “si pudiera colapsar las masas, seriamos libres para crecer nuestras alas”, así que, si entiendo bien es una canción tremendamente individualista que establece que la “masa” es la que evita que el individuo realice su potencial... ¿por dónde empiezo a demoler semejante argumento liberal deficiente y simplona?...no, no lo haré ya que ese seria un texto de otra sección de la caverna, y si quiero recomendar a este grupo que espero de mucho de que hablar en el futuro.

 

Para terminar la reseña del 2003 quiero hacer mención a los álbumes debut que marcan una clara y establecida tendencia en una “nueva” corriente del Metal, y entro en conflicto al querer poner el subgénero porque uno de estos grupos es claramente identificado como tal y el otro no, pero ahora explicaré. El subgénero sería el “Metal Sinfónico” y los grupos serían Epica y Evanescence. El Metal Sinfónico ya llevaba varios años en la escena metalera y su origen comúnmente se asocia hacia finales de los noventa y a los países nórdicos como Suecia, Finlandia u Holanda (yo agregaría Italia), con grupos con una clara tendencia metalera, que se conjunta con instrumentación proveniente de instrumentos típicos de una orquesta sinfónica (vientos madera y metal, cuerdas y percusiones) y como extra la voz principal una cantante mujer, de preferencia una soprano o mezzosoprano, como Therion (Lori Lewis), Within Temptation (Sharon den Adel) o Nightwish (Tarja Turunen) o Lacuna Coil (Cristina Scabbia), y un ejemplo más, mezclado con el progresivo británico, Mostly Autumn (Heather Findlay ), pero quizás podamos rastrearlo tan atrás como finales de los ochenta con algunos grupos americanos de Heavy o death metal que innovaron al invitar a una chica como vocalista como Hellion (Ann Boleyn) o Nuclear Death (Lori Bravo), pero claro lo primero que salta al oído al oír a estos últimos dos grupos es que no hay influencia sinfónica en la música y después el estilo vocal de las chicas trata de imitar el estilo de los vocalistas hombres de la época, hasta en la guturalidad grave y con el metal sinfónico, la característica dominante es la voz femenina mucho más aguda. Pero bueno, quizás lo único que quiero resaltar es que la historia de las mujeres y el metal NO comenzó con el metal sinfónico, pero sin duda ha dado, a partir de finales de la década de los noventa, estas nuevas voces revitalizaron el metal y abrieron la puerta a un público que 10 años antes hubiese sido imposible atraer.

 

Apenas un par de años de la de la década de los dos miles en Holanda se forma Epica, grupo que continua la tradición del Metal Sinfónico y que lanza su primer disco de estudio en el 2003 “The Phantom Agony”. Desde su origen la mezzosoprano Simone Simons, quién ya era fan del Metal Sinfónico, fue invitada a liderar la banda. Su primer álbum no fue un éxito. Y aunque creo que como Dream Theater, Epica coquetea con el progresivo, sobre todo porque buscan hacer álbumes temáticos y el primero no fue la excepción. El tema del álbum me parece que es la violencia originada en el fundamentalismo religioso y como ejemplo esta la canción “Facade of reality (The embrace that smothers – Part V)” que es de las que más me gustan del álbum trata de ese echo. Es un claro ejemplo del metal sinfónico, con un poderoso ritmo de batería acompañado de violines que después son reforzados con el riff de las guitarras y bajo eléctrico, para completarse con algunos vientos, mientras un coro en latín (creo) antecede  la voz de Simone que en inglés cuestiona el origen de la religión para declarar que el ser humano se inventa la religión para justificar el asesinato, el esclavismo y el enriquecimiento ilícito. Y la canción termina diciendo “Enrich yourself by making up your own mind”. Como con muchos de los artistas de este género que se originan en los países nórdicos tardaron dos discos en alcanzar popularidad en las listas y debo confesar que yo hasta el tercer disco no supe de estos singulares personajes.

Desde el 2003 tengo sentimientos encontrados con siguiente grupo que recomendaré. Era evidente que había un aparato comercial fuertísimo atrás que me molestaba un poco, después vino una controversia sobre si las letras tenían o no una influencia del supuesto género de “nueva música cristiana” y por último, estaba claro por el tipo de música que No era Metal Sinfónico pero si aprovechaba a una cantante soprano para presentar una opción musical aparentemente nueva. Pero, la cantante, Amy Lee, lo hace muy bien y además el estilo musical más de metal alternativo, me agradaba más que el sinfónico, la verdad. Me refiero al primer álbum comercial de Evanescence, el “Fallen”. Varios sencillos fueron exitosos y pese a todo es un buen álbum, pero haciendo remembranza, una canción fue la que más problemas me daba en aquella época, porque me gustaba pese a lo que sabía del grupo y cómo es una canción que básicamente trata del término de una relación sentimental muy intensa (fórmula básica de muchas canciones del grupo), “Going under” (presentación en Vivo) se convirtió después en parte esencial de mi repertorio azotado y estuvo a punto de que la incluyera en la disertación rockera del azote en la etapa del fondo, pero me contuve por una cuestión de espacio, además ya había puesto varias muuuuy de mi fondo, poner una más era... redundante. Además de la canción el video promocional es bueno, estaba muy en sintonía con las películas de terror de la época y traslada un poquito a la canción no de una relación personal de la narradora con su pareja sino a una relación autodestructiva entre el grupo, con sus fans, los medios, las disqueras e incluso dentro de la banda, cuestión que sin duda estaban viviendo. Con el paso del tiempo me he reconciliado con el grupo, aceptando que pese a las contradicciones, sobre todo comerciales, si me gusta su música y pues eso es lo importante.



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